ARTISTAS INVITADOS IV BIENAL INTERNACIONAL Caudete 2017
PEDRO CANO España
GEORGE POLITIS Grecia
MUSTAPHA BEN LAHMAR Marruecos
JESÚS SUSILLA España
JOSÉ MANUEL MENDEZ PÉREZ (Mendo) España
JOSÉ MIGUEL COLLANTES DEPAZ Perú
KENRYO HARA Japón
KENRYO HARA Japón
Nacido el 15 de agosto de 1955 en Mie-Prefecture, ubicado en Honshu, una región en el centro de Japón.
En septiembre de 2000 Kenryo se unió al Kikkou-kai.
El Kikkou-kai estudia el arte de Kodaimoji con el maestro Koho Kato que es uno de los artistas de caligrafía más respetados y reverenciados de esta forma de Kodaimoji.
Kodaimoji- (Kodai: significado “antiguo” y Moji: significado “carácter”) es la forma más antigua de caligrafía conocida en China.
Kikkou-kai ha adaptado esta antigua tradición de Kodaimoji a una nueva forma de arte.
Cada enero El Museo Real de Ueno en la ciudad de Ueno recibe la exposición de Kikkouten. Desde 2001 Kenryo ha mostrado continuamente su trabajo con esta exposición anual.
EL ARTE DE LA ESCRITURA JAPONESA
La raíz de los caracteres japoneses “Kanji” son de China antigua.
Se ha dicho que cuando la gente antigua preguntó la voluntad de los dioses usarían “Kanji” para componer su respuesta.
Para entender estos pueblos antiguos hay que tener en cuenta los estilos de vida que cultivaban, por ejemplo el afecto para con su familia, sus valores y su conexión con el resto de comunidades, a pesar de la crueldad que han soportado, la lucha contra los adversarios que les habían saqueado y perseguido.
Abrazar “Kodaimoji” como una práctica creativa es conocer y entender cómo se vivió en la antiguedad. No es necesario decir que he adoptado la fuerza vital del ser humano como tema principal de mi “Kodaimoji”.
Creo que es esencial para descubrir y comprender a estos personajes que han formado una de las bases de la cultura japonesa, con el fin de encontrarme a mi mismo .
La intención de mis dibujos “Kodaimoji” es la de tocar en la vida de mis espectadores a través de mi trabajo.
Kenryo Hara
Nuestro agradecimiento a la Galería O+O de Valencia y a su directora y artísta Enriqueta Hueso Martínez, por hacer posible la participación como artísta invitado a este grán maestro japonés KENRYO HARA.
KENRYO HARA :
Born on August 15th 1955 in Mie- Prefecture located in Honshu a region in central Japan.
In September of 2000 Kenryo joined the Kikkou-kai.
The Kikkou-kai studies the art of Kodaimoji under Koho Kato master who is one of the most respected and revered calligraphy artist of this form of Kodaimoji.
Kodaimoji- (Kodai: meaning “ancient” and Moji: meaning “character”) is the most ancient form of calligraphy known in China.
Kikkou-kai has adapted this ancient tradition of Kodaimoji into a new form of art and performance.
Every January The Ueno Royal Museum in Ueno host the Kikkouten exhibit. From 2001 Kenryo has continuously shown his work with this annual exhibit.
THE ART OF JAPANESE SCRIPTURE
The root of the Japanese characters “Kanji” are from ancient China.
It has been said that when ancient people inquired the will of the Gods they would use “Kanji” to compose their reply.
To understand these ancient people please consider the lifestyles they cultivated,for instance affections for their family, their values and their connection with to the communities,despite the cruelty they have endured fighting those adversaries who had plundered and persecuted them.
To embrace “Kodaimoji” as a creative practice is to know and understand how the ancient lived. It goes without saying ,that I have adopted the life force of human being as my primary theme for my”Kodaimoji”.
I believe that it is essential to discover and understand these characters that have formed one of the bases for Japanese culture,in order to find myself.The intention of my “Kodaimoji” drawings are to collaborate with the viewer by stirring sympathy for the content by the audience.By transferring “my strength of life” into the lines drawn in Sumi I hope that I can express my inner mind to my work.My goal is to touch lives of my viewers through my work.
Kenryo Hara
Our gratitude to the O + O Gallery of Valencia and its director and artist Enriqueta Hueso Martínez, for making possible participation as a guest artist to this great Japanese master KENRYO HARA.
JOSÉ MIGUEL COLLANTES DEPAZ. Perú 1966
EL ARTISTA VISUAL DE LAS EMOCIONES
Artista peruano formado en la Escuela de Bellas Artes de Lima
Vive en Los Yébenes (Toledo), donde pinta y da clases de pintura en un taller que ha abierto en su casa. Trabaja con las distintas técnicas (acrílico, óleo, acuarela…)
Desde culturas primigenias se ha cultivado la dualidad, (luz_sombra, vida_muerte, etc.), es un tema que trato de plantear en mis obras cargadas de sensaciones contradictorias y vulnerables.
En la actualidad la acción de pintar viene desde un interés por reconocerme interiormente, llevando consigo tránsitos de estados emocionales. ¿ Acaso no es en este panorama donde uno está comprometido a replantear los medios de ejecución?, dando por resultado una constante sensación de ruptura con lo anterior.
La temporalidad de la presencia humana, el reconocimiento del yo interior y la sintonía de la luz interior con el todo, son los pilares en la ejecución de mis trabajos.
Anverso _ reverso, implica la idea y acción de lo visible como parte de una sociedad y por el contrario la actitud de reserva, intimidad y singularidad.
JOSÉ MANUEL MENDEZ PÉREZ (Mendo) Mundaka (Vizcaya)
A los pocos años se traslada al gran Bilbao, al entorno de otra Ria; el Nervión. En estos primeros años su padre trabaja como guarda de fin de semana en unos astilleros y es mucho el tiempo que pasa en este mundo industrial con la presencia recurrente de la ría que acabará enquistándose en él y que formará ya parte de su iconografía pictórica.
Con nueve años recibe como regalo una caja de acuarelas en tubo inglesas, junto con varias reproducciones al agua de Paris en forma de postal que le sirven de modelo para conocer la técnica y empezar a trabajar con papeles mas consistentes, así mismo acude a la escuela de artes y oficios donde perfecciona su técnica. Mientras tanto participa como dibujante precoz en la revista mensual de su colegio y se mete de lleno en el mundo del comic y la ilustración, publicando en fancines locales.
El dibujo de manera natural forma parte de su vida. En el año 89 se licencia en Historia, habiendo ganado algún premio en concursos de carteles, tras años de trabajos alimenticios, topa en el año 93 con la Agrupación de Acuarelistas Vascos matriculandose en su academia, a la par que en el estudio de un pintor Bilbaino. A partir de ese momento comienza a ganar premios nacionales de pintura, como el de acuarela de Caja Madrid y varios premios en pintura rápida.
Los primeros años del 2000 son determinantes en su carrera: conoce al galerista Luis Alonso quien le da una oportunidad que no desaprovecha para exponer en la Galería Tavira de Bilbao, unas de las más prestigiosas… se matricula en la Facultad de Bellas Artes de la UPV, se “doctora” como ayudante del pintor vizcaino Alejandro Quincoces en su estudio y después de tres años de intenso trabajo donde se aventura en el óleo, ganando importantes premios nacionales como el del Ministerio de Justicia en 2003, el Nacional de Dibujo en el mismo año y el Primer Premio Europeo de Acuarela en el Simposium que se celebra en Bilbao, también infinidad de premios en rápida. Su obra está presente en fundaciones como BBK, BANKIA, BBVA, diputaciones y ayuntamientos así como en colecciones privadas de varios paises. Es también, la década en la que se dedica a la enseñanza en centros educativos de pintura artística.
Finaliza este periodo con exposiciones en diferentes galerías nacionales, abandona la carrera de Bellas Artes con alguna asignatura pendiente y decide dedicarse con plenitud a su trabajo: pintar.
La crisis de 2010, y que afecta especialmente al mundo del arte con el cierre de muchas galerías y la caída de las ventas condicionará su futuro y sus decisiones, entre la que se encuentra la creación de un curso de acuarela online que agrupa a infinidad de alumnos y con mas de un millón de visitas de todos los continentes. Curso que le proporciona cierta fama y la oportunidad de impartir clases magistrales de acuarela, colaborar en publicaciones, sponsors y el desarrollo de cursos avanzados presenciales sobre ésta técnica por toda la geografía española.
Técnicamente José Manuel Méndez practica una acuarela ecléctica, aunque es la ría y su entorno el tema recurrente en el que, en una figuración romántica, se mueve con soltura. Venecia, y la naturaleza la pintura orgánica están siendo sus últimos retos como autor. Y el paisaje urbano, Nueva York y su Bilbao querido.
GEORGE POLITIS Thessaloniki (Grecia)
George Politis paints in watermedia and lives in Thessaloniki in Greece.
He is signature member of
AWS (American Watercolor Society)
RI (Royal Institute of Painters in WOtercolors)
SDWS (San Diego Watercolor Society)
AWA (Arizona Watercolor Association)
NEWS (North East Watercolor Society)
IAF (Institut des Arts Figuratifs) and has served as President of the Artists Society of Northern Greece (2009-2015).
He had solo exhibitions, including: Vafopouleion Gallery (Thessaloniki, 2017), Metropolitan Gallery (Thessaloniki, 2017), Govedarou Art Gallery (Thessaloniki, 2015), Dipolo Gallery (Thessaloniki, 2015), Triveni Gallery, N. Delhi (2014), Reims (France, 2013), Myro Gallery (Thessaloniki , 2013), Techni Gallery (Kilkis, 2013), Piraeus Bank Convention Centre (Thessaloniki 2010), Geni Tzami, Thessaloniki, 2006, Hellenic Centre, (London, 2002), Gallery 47 (London, 2001), Aristotelion University in Thessaloniki and Katerini St-Fotios in 1999; Rodopouleio Center, Larissa in 1998; exhibition of the Organization of the Cultural Capital of Europe at City Hall of Thessaloniki, 1997; Municipality of Thessaloniki, 1996.
He has participated in numerous group exhibitions in Greece and in international exhibitions and contests. His paintings won many international awards.
George Politis was invited and participated in the Biennial of Shenzhen, China (2015), Biennial of Shanghai (2012), the 1st Watercolor Salon of Qingdao (China, 2014) and the 1st Biennial of Watercolor of Qingdao (2015), Kaifeng (2015), Silk Road Art Festival in China (2016, 2017) etc.
He has served as juror in National and International watercolor exhibitions and he is the organizer and curator of the Thessaloniki Biennial of Watercolor (“Watercolor International-Greece”) and the Watercolor Salon of Thessaloniki.
His paintings are featured in art books and catalogs (International Artist 2001, L’ Aquarelliste 2000, L’ Art de I’ Aquarelle 2012, 2016, The Artist 2000, 2002, Artissime 2013, The Artist -USA 2017, Le Grand Livre de I’ Aquarelle etc).
Artist’s Statement
I love painting in watercolor and mixed watermedia.
Selecting whether going in the “pure” direction of totally transparent watercolour, or using acrylic inks, collage and other media is based on the subject and on the personal reaction to a potential subject.
The medium is not the most important thing. The result is…
Thus, I like to experiment a lot and find new ways to express my ideas. I experiment with various materials and processes, very often disregarding rules. Especially in my “Wall Series” I like to create some… controlled chaos and find ways to compose and create a balanced painting out of this chaos.
I like aged material, rusty metal, weathered wood…
Time plays a very basic role in my paintings; particularly the way it leaves its mark on varied objects and on nature itself fascinates me. I see in the old, rusty and ravaged both truth and excitement. I can find inspiration in ordinary and commonly overlooked items, responding to them with dramatically different feelings each time, whether emphasizing the serenity, the loneliness, the atmosphere, the melancholy.
My aim is to make the viewer share my feelings and share my love for such objects that have “lived” in glory once… and that can still have sparkle today !!
JESÚS SUSILLA Portugalete (Vizcaya) 1965
Licenciado en Derecho pero con alma de pintor. Siempre con un lápiz en la mano y con unas ganas continuas de pintar.
Para mi, la pintura es pasión y gracias a ella consigo los mejores momentos en la soledad del estudio, en el momento de arrancar con el bastidor en blanco.
La acuarela me permite plasmar de una manera espontánea esa necesidad de dibujar, de pintar, en definitiva de crear. El hecho de ver como va jugando el agua con los pigmentos y colocándose en el papel, a veces en el sitio correcto, otras por desgracia no, es un juego que me apasiona.
En estos momentos estoy experimentando con café, con sangría, en definitiva, Buscando nuevas tonalidades a través de pigmentos del día a día.
PREMIOS
1º Premio II Certamen de Pintura BILBAO SIN MI COCHE. 2011
3º Premio XVIII Concurso Nacional MEDINA DE POMAR. 2011
Finalista XIII Premio TERRAS DE IRIA. CORUÑA 2010
2º Premio I Cert. Internacional de Pintura UNIVERSIDAD POPULAR DE BURGOS. 2010
Accésit XXIII Certtamen de Pintura ORTUELLA. VIZCAYA 2009
2º Premio V Concurso de PINTURA SOPELANA. VIZCAYA 2009
Mención de Honor XVI Concurso Nacional MEDINA DE POMAR. 2009
Mención de Honor XII Concurso Pintura AIXERROTA. VIZCAYA 2009
Accésit XI Premio de Pintura VILLA DE BALMASEDA. 2007
Mención de Honor X Concurso Pintura AIXERROTA. VIZCAYA 2007
Premio XVII Certamen Nacional CIUDAD DE AVILA. 2007
Premio IX Certamen Internacional de Pintura. CASTELLAR. JAEN 2007
Accésit Cconcurso de Pintura SONDICA. VIZCAYA 2007
1º Pr emio VI Concurso de Pintura VILLA DE DURANGO. VIZCAYA 2006
Premio IV Cert. Nacional SEGOVIA PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD. SEGOVIA 2006
Premio XVI Certamen Nacional CIUDAD DE AVILA. 2006
3º Premio X Certamen de Pintura VILLA DE BALMASEDA. VIZCAYA 2006
3º Premio XIX Concurso Nacional de Pintura CIUDAD DE FRIAS. BURGOS 2006
Accésit Certamen de Pintura de ORTUELLA. VIZCAYA 2006
2º Premio Concurso de Pintura SOPELANA. VIZCAYA 2005
3º Premio IX Certamen de Pintura de BALMASEDA. VIZCAYA 2005
3º Premio XVIII Certamen Nacional de Pintura CIUDAD DE FRIAS. BURGOS 2005
2º Premio Concurso de Pintura de PLENCIA. VIZCAYA 2004
2º Premio ASOCIACIÓN ARTÍSTICA VIZCAINA. BILBAO 2004
3º Premio Concurso de Pintura VILLA DE DURANGO. VIZCAYA 2004
3º Premio FEDERACION DE CASAS REGIONALES BILBAO. 2004
3º Premio Concurso de Pintura ABADIÑO. VIZCAYA 2004
Mención de Honor Concurso Nacional de MEDINA DE POMAR. BURGOS 2004
1º Premio Concurso de Pintura MOLINO DE AIXERROTA. VIZCAYA 2003
2º Premio Concurso de Pintura SONDICA. VIZCAYA 2003
1º Premio Concurso de Carteles SONDICA. 1992
1º Premio Concurso de Carteles SONDICA. 1991
1º Premio Cartel FESTIVAL DE TEATRO CIUDAD DE BURGOS. 1984
3º Premio Dibujo HUMOR GRAFICO DIARIO DE BURGOS. 1987
Accésit Concurso de Pintura JOVENES ARTISTAS BURGOS. 1987
MUSTAPHA BEN LAHMAR Tetouan (Marruecos) 1961
Pintar es un divertimiento y una terapia, creo que todo esta por descubrir y reenventar. La acuarela es la técnica ideal para expresar emociones y sensaciones, es el lenguaje plástico, un lenguaje inteligente que no te obliga a decirlo todo, sólo tienes que sugerir, insinuar y seducir y dejar la libertad al espectador para recrearse en la obra. Actualmente defiendo que no hay una manera correcta de pintar.
Mustapha Ben Lahmar nacido en Tetouan en 1961, acuarelista cordinador de los talleres de bellas artes de la Fundacion Mohamed 6. Ex-professor en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetouan. Expociciones, Talleres y Masterclass en toda Europa…
PEDRO CANO España
Primeros años
Pedro Cano nace el 10 de agosto de 1944 en Blanca, siendo el menor de tres hermanos. El patriarca paterno de la familia, Jesús ‘el Zurdo’, poseía una tienda de tejidos, alpargatas, pescados y salazones, negocio que continúa en el padre del artista, José, el Moreno y que luego pasaría a sus hermanos.
Cuando Pedro Cano tenía tan solo 10 años murió su padre y será en ese momento cuando su hermano Jesús le regale su primera caja de colores al óleo. La importancia de ese regalo es siempre subrayada por Cano: ‘aquello se convirtió en una especie de talismán maravilloso. Me salvó la vida. Iba por el río, pintando paisajes con un lienzo más grande que yo, y supe que ya sólo quería pintar. El primer cuadro que pinté debió ser una postal, dos árboles en flor…Luego, poco a poco, me di cuenta de que era bonito pintar la luz y la sombra, usar los azules, los naranjas y amarillos’. Después de este hecho, Cano comienza a pintar al óleo. Según su familia comenzó a hablar y pintar al mismo tiempo.
El niño Pedro Cano estudió en el colegio Antonio Molina González, en Blanca.
El origen de su vocación artística
Más tarde, en 1959, un encuentro casual con la pintora valenciana Amparo Benaches determinará su orientación artística. Encuentro que subraya el propio Cano : ‘Cuando tenía 14 años una persona que se llama Amparo Benaches pasó por el pueblo y vio un cuadro mío. Fue a mi casa, habló con mi madre : Dijo que tenía que ir a la Academia de Bellas Artes. Yo estaba con los ojos redondos’ . A partir de entonces comienza de una forma incesante a pintar del natural siendo el motivo principal de esas primeras obras el paisaje murciano, concretamente la huerta y el río Segura. Ya se atisba en ellas la importancia que adquiere en él la captación de la luz, de la atmósfera.
En 1963, cuando cuenta con diecinueve años, se va a Madrid para hacer el servicio militar. Becado por la Diputación Provincial de Murcia, ingresa el día 25 de junio de 1965 en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid para comenzar su formación artística, encontrando el apoyo de Manuel Muñoz Barberán. El pintor Waldo Aguiar le prepara para su ingreso en la Escuela de San Fernando. Durante esos años le influyen especialmente Antonio López, Juan Barjola y Rafael Martínez Díaz. Allí destacó por sus altas calificaciones en todas las asignaturas. Todos los días después de las clases, baja desde Alcalá 13, dónde estaba ubicada San Fernando, al Círculo de Bellas a dibujar del natural.
Etapa en Italia
En 1969 obtiene una beca de pintura de paisaje del Ministerio de Asuntos Exteriores para la Academia Española de Bellas Artes en Roma. Pedro Cano realizó para su ingreso dos óleos, exactamente unos cuadros que se salían de lo corriente, que no eran, vamos, ‘lo que se llevaba’ : la vivienda de Lope de Vega (una pared, un agujero y una silla) y un paisaje de la Casa de Campo (las herramientas de unos albañiles amontonadas en el suelo y varias casucas que les servían de refugio en los días de lluvia). En septiembre del mismo año se traslada a la capital italiana. La academia solicita cada año un cuadro para enviarlo a Madrid, el primer trabajo debe ser una copia de la antigüedad, para ello, Cano pinta un fragmento de Massolino di Panicale, situado en la Iglesia de San Clemente de Roma.
Antes de marcharse, permanece durante un tiempo en la Fundación ‘Rodriguez Acosta’, de Granada, donde había conseguido una beca para pintar en la Alhambra.
En 1972 se casa con la italiana, Patrizia Guadagno, ‘Patricia es una italiana que responde perfectamente a la idea que, acerca de lo que ha de ser una magnífica italiana, tenemos en España’. Se trasladan a vivir a Anguillara Sabazia, un pueblecito junto al lago de Bracciano, a 30 kilómetros de Roma. Con Pedro Cano, Hijo Predilecto de Blanca e Hijo Adoptivo de Anguillara, se llevó a cabo en 1998 el hermanamiento de Blanca con Anguillara, por la serie de elementos comunes que unen a estas dos poblaciones.
Periplo por América Latina
En 1976 Cano realiza, junto con su esposa, su primer viaje a América Latina, en un periplo que va desde México hasta Brasil. El continente americano le impresionó : sus costumbres, sus colores, la energía vital de sus gentes y su capacidad para soportar la pobreza, su ‘cotidiano vivir mal’. Ese viaje constituyó una serie inagotable de inolvidables experiencias para Cano al ‘vivir una realidad distinta de la que vivo normalmente.
Pintor internacional
En 1984 se traslada a Nueva York, donde reside durante cinco años en el East Village, para vivir una experiencia, que en principio debía ser de cinco meses. Pedro Cano decía de Nueva York que era ‘un reto difícil, una ciudad llena de problemas, donde verdaderamente se respira el gris del humo (…) es la capital del imperio, hay que ir, verlo y saber que existe’.
En 1986 Cano fue nombrado Hijo Predilecto de Blanca. Con motivo de este acontecimiento realizó un dibujo, del que se realizaron 3000 ejemplares que se distribuyen a los vecinos de Blanca. Cano manifestó en una entrevista, con motivo de este homenaje : ‘Por una parte, siento una gran alegría, porque va a ser como un abrazo con todos mis paisanos. Pero mi deseo es que, al día siguiente, después de tantas emociones, yo siga siendo lo que soy : un blanqueño más’.
El 28 de diciembre de 1987 muere Pura, su madre, ‘fuente de vida y de progreso, debido a su inteligencia, coherencia y buena razón’, como indica el propio pintor y sus hermanos.
En 1988 proyecta el diseño de escena del Galileo Galillei de Bertolt Brecht, para el Teatro de Roma, obra dirigida por Maurizio Scaparro. Es la primera vez que se encuentra ante un reto de esas características. Su éxito será tal que el mismo director le invita un año después a realizar el diseño del vestuario en el espectáculo que se representa en Villa Adriana sobre el libro ‘Memorias de Adriano’ de Margarite Yourcenar. Cano expone así la manera que tuvo de realizar este trabajo en una entrevista publicada en La Verdad el día 3 de septiembre de 1989 : ‘Utilicé telas que ya estaban en el teatro, que las habían usado ya, y que las pinté yo mismo, las teñí, e incluso después de haber hecho los trajes, a veces, yo repintaba (‘) a mí me gustaba mucho dar una relación muy fuerte entre la ropa y el sitio, o sea que no sobresaliese nada de aquello, integrar los trajes al máximo en el lugar’.
Durante la primavera de 1990, siguiendo la ruta de Las ciudades invisibles de Calvino, el artista viaja a Siria y Jordania, atravesando las ciudades de Alepo, Palmira, Apamea y Petra.
Visita en Turquía los Teatros Griegos y Romanos de Aspendos Side y Mira entre otros. También se acerca a la isla de Kastelorizo, junto a la costa turca donde volverá más adelante. Además viaja a la India, visitando Rajastán, Cachemira y Benarés principalmente.
En el otoño de 1991 dibuja sus impresiones de Egipto a través de un viaje por el Nilo durante el cual visita Aswan, Dendera, Esna y Edfú, que le causan honda impresión. En ese mismo año, cambia de estudio en Blanca. Restaura el corral donde su abuelo guardaba el ganado, situado en la calle del Castillo, y lo transforma en un luminoso estudio. Este nuevo estudio es descrito con detalle por José María Galiana: ‘Las paredes del estudio son blancas y el suelo de barro cocido. Se accede a través de una antigua puerta de madera con mirilla, aldaba y ventana de medio punto en la parte más alta para que entre la luz y se ventile la estancia sin que sus moradores puedan ser vistos desde la calle. Otra referencia árabe. Para ganar altura y luminosidad, se suprimió el altillo donde El Manchego apilaba las ramas y el pienso. Tampoco están los atrojes donde comía el ganado nila tená que separaba los cabritillos a las madres. Ocupan este espacio un caballete y un banco de carpintero repleto de pigmentos, espátulas, pinceles, lijas, limones, granadas, recipientes de hojalata y de cerámica, correspondencia y un boceto en tonos de azul. Dos cuadros de gran formato destacan en las paredes de la estancia. Un paisaje de las azoteas que rodeaban la casa que Pedro Cano alquiló en el East Village y el retrato de su madre, el primer óleo que pintó apenas obtuvo la beca que le llevaría a Roma. No parecen colocados al albur. La luz del East V illage representa ese paisaje que siempre nos espera, y la ternura del rostro materno supone una declaración de amor a sus antepasados, a las raíces’.
En 1992 realiza una de sus grandes ilusiones viajando junto a su hermano Jesús al Yemen, visitando lugares absolutamente aislados y de constumbres ancestrales. Descubriendo la belleza de la arquitectura de tierra y piedra de uno de los países más fascinantes del mundo.
Regreso a Murcia
En 1995 tras una estancia en Nueva York y Los Angeles, el artista vuelve a Murcia e imparte unas clases de acuarela a los alumnos del ciclo formativo del grado superior de Ilustración de la Escuela de Bellas Artes y Oficios. Aparte de estas clases en concreto, Pedro Cano ha impartido cursos de acuarela en varias universidades e instituciones en Italia, Alemania, Grecia y España. En 1999 imparte junto a Joan Hernández-Pijoan el Primer Curso Internacional de Pintura de Paisaje en Blanca.
En 1995, además colabora en la revista Telos, una revista de comunicación, tecnología y sociedad. Telos decidió realizar una colección pictórica, la cual se compuso de casi 400 obras, pertenecientes a 41 artistas, entre ellos Pedro Cano, junto a artistas también de reconocido prestigio como Antonio Saura, Josep Guinovart, Antoni Tàpies, Lucio Muñoz, Juan Genovés, etc… A cada artista la revista le solicitó una obra destinada a figurar en la portada de cada número de la revista y ocho más para reproducir en el cuadernillo interior. Pedro Cano optó por presentar acuarelas al igual que Ràfols-Casamada, Eva Lootz o Juan Uslé, otros artistas, sin embargo, optaron por collages, gouaches, acrílicos e incluso tintas chinas.
En el año 2001 imparte un curso sobre el Desnudo en Bolzano (Italia).
En la Semana Santa de ese mismo año, en Murcia, el pintor presenta el nuevo Paño que realizó para la Verónica de Salzillo, sobre un lienzo de lino natural de finales del siglo XIX: Previamente el pintor fue realizando numerosos bocetos, en los que se advierte la evolución de formas, luces, tensiones cromáticas y temperaturas anímicas.
El cuadro de Pedro Cano titulado ‘Abrazo del Papa Juan Pablo II y el cardenal Wyszynski’ de 1980, pasó a formar parte, en el año 2003, del patrimonio del Vaticano formando parte de la colección de arte Contemporáneo 1980-2003. Su obra ilustra la primera página del catálogo de dicha colección del Museo Vaticano. El pintor relató que ‘en principio era uno de los muchos abrazos anónimos, pero la historia de todos se ha mezclado con la Historia’, y el cuadro se asoció a un episodio real, el abrazo que se dieron el 3 de octubre de 1978, Juan Pablo II, pontífice desde hacía siete días, y el cardenal Stefan Wyszynski. Esta obra narra un momento particularmente entrañable para el Papa, dijo el autor, quien recordó que entregó personalmente a Juan Pablo II el cuadro y que ‘el azul, la tonalidad dominante del cuadro, gusto mucho al Pontífice’.
En el 2003 retrata a Pepín Liria, realizando múltiples acuarelas previas a la obra definitiva, tres cuadros, que se realizaron con motivo de los diez años de alternativa del torero. El acto conmemorativo se llevó a cabo en el Museo Taurino. Se unieron así, dos primeras figuras, unidas por el arte efimero del toreo y por las artes plásticas.
Curiosidades
Además de a la pintura, Pedro Cano es aficionado al cine y a la música. Sus películas favoritas son las del director griego Teo Angelopoulos, y todas las del Neorrealismo italiano. En cuanto a la música, le gusta escuchar música étnica, principalmente de Grecia o Turquía.
Ha trabajado para el teatro, en 1988 proyecta la escena sobre el Galileo Galillei de Bertolt Brecht, para el Teatro de Roma, obra dirigida por Mauricio Scaparro y en el 1989 diseña los trajes para Las memorias de Adriano de Marguerite Yourcenar.
Además ha colaborado en varias publicaciones, actualmente ha realizado un trabajo sobre la obra de Italo Calvino.
Su obra es muy prolífica, como demuestran sus continuas exposiciones. Es un artista incesante en la búsqueda de nuevos recursos, de nuevas ideas que plasmar.
Cano va realizando series, en las que va insertando obras de una misma temática pero concebidas plásticamente de manera diversa. La temática de estas series se centra en un único motivo, ya sea la visión de la ciudad de Nueva York, las puertas de Roma o un huerto-jardín. No obstante, la temática de su obra en general, es variada, va desde el mínimo pero minucioso apunte de una flor, una hortaliza o una puerta, a los paisajes urbanos (sean Roma, las ciudades del desierto o las azoteas de Nueva York) y de una naturaleza a las monumentales composiciones.
